Uno de los debates más recurrentes de los historiadores tiene que ver con el nacimiento de la nación española. Algunos autores han identificado ese momento con la convocatoria de las Cortes de Cádiz, en las que por primera vez las élites políticas del momento fueron capaces de ponerse de acuerdo sobre un texto constitucional libre de las ataduras del Antiguo Régimen.
Además, claro, todo el mundo tiene una función asignada. En función del nivel que se ocupa en la escala social se desarrollará un trabajo. Quedando encargada la clase genéticamente superior de supervisar la reproducción de nuevos individuos. Es decir, quedando al cargo la clase dirigente de perpetuar su poder a través de la producción en serie de seres humanos condicionados en la debida obediencia. Únicamente se hace una referencia a pequeñas zonas del planeta donde viven unos pocos hombres que han sobrevivido a la guerra y que no optaron por el nuevo modelo. Marginados y considerados como enemigos de la modernidad. Y, como contrapunto a la utopía, existe una reserva salvaje llamada Malpaís. Una reserva no muy distinta de cualquier zoo cuya visita no está recomendada pero sí permitida para ver como viven los hombres sin este sofisticado sistema. Para no confundirse, la historia está prohibida. Nada del pasado. Incluso la vejez se ha prohibido mediante un precursor del botox que tanto gusta ahora y gracias al que la gente permanece con un aspecto joven. Nada de religión, nada de reflexiones filosóficas, nada de literatura clásica… sólo una excepción, Bernard Shaw. El único autor autorizado en el mundo feliz.
Belén Rueda trata de superar su paso por las telecomedias, cómo si fuese tan fácil olvidarla en “Los Serrano”. Su participación (con premio) en “Mar adentro” o en la obra de teatro “Closer” contribuyen a ello aunque le falta talento (o recursos nuevos) para desarrollar su personaje. No obstante, diremos que está correcta y seguro que nominada para Los Goya. Que las nominaciones a los premios se compran en todas partes, no iba a ser Penélope Cruz la única en hacerlo. En honor a la verdad, Fernando Cayo, que interpreta al marido de Belén Rueda, inspira mucho más misterio que su par. Aunque tampoco importa mucho, el lucimiento es para ella. Puede que por eso, y por el propio desarrollo del guión, Bayona intente evitar que el centro de la película sea el niño, y mira que tiene mérito porque trata de su desaparición. Debía sospechar que Simón, interpretado por Roger Príncep, acabaría repitiendo el esquema y como suele ocurrir en estos casos, más si se trata de películas de terror o comedia, el niño roba con total impunidad cada plano que le disputa a cualquiera de los adultos con los que se cruza por la pantalla. ¡Pobre Bruce Willis!Cuando los Aerosmith aún molaban y se movían en la cresta de la ola rockera con su álbum Get a grip, salió este video alumbrando su corte número 11, Crazy. El video será ampliamente recordado por todos los jóvenes de los 90, si no por la música –el corte es el más ñoño de un disco impresionantemente rockero-, sí por sus protagonistas. Poco antes Steven Tyler, vocalista de la banda, había descubierto que era padre de una joven y que ésta no era otra que Liv Tyler, de carrera cinematográfica tan rápida como corta, pero que dejó huella como mito erótico de la juventud. Está claro que no ha sabido dar el salto a la treintena. La otra protagonista, la rubia, no era otra que Alicia Silverstone, una poco conocida del gran público pero habitual a las series estadounidenses y de la serie B juvenil. Además de este video protagonizó otros dos más del mismo disco, Crying y Amazing.
Con este video dejamos aquí constancia de un grupo, Aerosmith, que aunque volverá a estar presente en esta sección con otro de sus videos, no ha sido absolutamente nada en el panorama histórico del Rock n´Roll. Parecía que apuntaban a glorias, a ser los segundos Rolling Stones, pero la inconstancia en su estilo y la mala selección de singles los ha hecho arrinconarse por mucho que siempre amenacen con volver.
El libro se abre ante nosotros como se abre de piernas la amante entregada y posesiva. Como abren los brazos para acogernos el amigo y el familiar. En mi prehistoria se abrieron para mí los brazos diminutos, débiles y sucios de los primeros cuentos de calleja. Ya entre ellos se observaban diferencias sociales. Los más baratos cabían en la palma de la mano, su letra era casi ilegible y tenían las mejillas manchadas de tiznones como de carbón o de tinta de escribir palotes, curvas y garrotes. No parecían pensados para que los leyeran los niños, sino las abuelitas, desojándose, al borde de la cuna. En cambio, los más caros, en octavo, se leían con facilidad y tenían letras de oro en la portada.
comerciales, nos ofreciera uno de los bodrios más lamentables que se recuerdan en los últimos años: la insoportable y penelopiana “Todos los caballos bellos”. Pese a este gran borrón tolerado, Mccarthy ha proseguido como si nada pudiese alterarle, y lejos de condenarse, ha ofrecido más obras de calidad a su currículo.
La carretera sólo tiene una dirección, la costa. Sin embargo, los protagonistas, especialmente la racionalidad con la que plantea el padre toda decisión, tendrán que elegir un nuevo rumbo a cada paso que dan. Una corrección en el destino que no cambia el punto final del viaje sino las cosas en las que creen y en las que no creen. La manera en la que una persona puede entender la fragilidad de la vida ante una perspectiva tan sombría en la que no hay comida y en la que la división infantiloide que le ha hecho a su propio hijo de buenos y malos, es lo más parecido a una separación de Justos en el infierno. A lo largo de su recorrido por el asfalto vivirán distintos tipo de situaciones en la que podremos comprobar como la muerte se ha convertido en una opción práctica. Una más. Es tan viable andar un par de kilómetros como dispararse un tiro y acabar con el sufrimiento. Sin embargo, como en toda buena literatura apocalíptica, en la que no falta el personaje vencido por las circunstancias, latente en todo momento, o el truco literario de concederle al padre la posesión de una pistola con sólo dos balas (una para cada uno, se deduce), algo, una fuerza desconocida, hace que la opción elegida sea la de continuar avanzando. E incluso en los momentos de mayor tensión, en los que el padre ya ha preparado su cuerpo (¿y su alma?) para su muerte no sin antes asegurar la de su hijo, o en los que el hambre hará el trabajo sucio a la parca, en todos ellos, por muy dramáticos que resulten, intenta prolongar el último aliento. Un calvario, el que vive el padre enfermo, agotado y siempre dispuesto para el sacrificio de Abraham, y tras el que se espera, en lo más profundo, que la racionalidad deje espacio a la esperanza y al final haya algo mejor, aunque sabe que no lo habrá. Si un chico que ha crecido en ese terreno inerte ha podido desarrollar la bondad y la esperanza, por qué no podría haber algo mejor.
saber muy bien por qué, puede que los productores no confíen en la capacidad neuronal de los espectadores, Jekyll no padecerá su dualidad en un solo cuerpo. Han organizado la típica charla entre los dos lados del personaje con dos actores distintos. Así nos evitamos que Costner ponga cara rara cuando tenga que hacer de malo y cara de no haber roto un plato en su vida cuando haga de bueno. Despeinado y con los ojos saltones, peinadito y con sus resplandecientes ojos azules. Puede que ese hubiese sido su único trabajo con el personaje de un botulínico y entrado en años rostro de Costner. Lástima que la película no dé rienda suelta, y por qué no el protagonismo a Hurt, que se basta y se sobra en un personaje que desborda a su reflejo bueno. Puede que él se hubiese bastado y sobrado con sus recursos como actor para afrontar ambos lados de la dualidad. Reduciendo el presupuesto y aumentado el interés.
Mr. Brooks trata de ofrecer un nuevo retrato de la dualidad entre el bien y el mal en varias escalas diferenciadas. La de la detective que se enfrenta a sus propios fantasmas. El aprendiz, un irracional e iracundo joven que trata de dar rienda suelta a su verdadero yo (es malo y punto). El desafío de Mr Brooks con su problema de autocontrol y la cesión de su lado malo de la última decisión en la cuestión personal que se le plantea. Al contrario que en los asesinatos en los que tanto disfruta, en esta ocasión tendrá que ser su parte buena la que decida actuar no por placer sino para responder a una necesidad más profunda, dar cuenta del remordimiento que le asola y ayudar a su familia más allá de los límites razonables y legales [guiño, guiño -Teddy Bautista- guiño, guiño]. Que los que dicen que los que copian son muy malos, es que no han visto que peor es la copia de un asesino en serie. A ver cómo le cobran un canon.
Respecto a los personajes centrales, reales todos, destaca Alejandro, el presidente de la KAF. [Incluso por encima del propio protagonista, que deja su impronta en cada una de las hojas de su diario.] Alejandro Cao de Benós es el presidente de la KAF. Célebre por su paso por el documental de Jon Sistiaga, en el que no sale muy bien parado, Alejandro tiene el empeño de enseñarle Corea del Norte a todas aquellas personas que lo deseen (y que consideren adecuadas) para acabar con los mitos que difunden los medios de comunicación occidentales. Esta empresa es la que le ha llevado a colar en Corea a todo tipo de periodistas que no le han traído más que problemas. De hecho, y tras ver el documental de Sistiaga o leer el libro de Mateos, uno se pregunta cómo es posible que las autoridades coreanas sigan confiando en una persona al que se le escapan los problemas a pares. Puede que sea por el desmedido amor a su tierra coreana, o simplemente porque al igual que en muchos otros lugares, los viajes de amistad se han convertido poco a poco en un lucrativo negocio.
Surge en la cartelera una película de la que sabes que han dicho cosas buenas, pero de la que casi no recordabas ni los actores ni el argumento. Aparece sin darte cuenta, sin apenas promoción y con muchas rivales de gran tamaño persiguiéndola en el tiempo y en la impaciencia de ese cineasta que todos llevamos dentro. Es Otoño, el mejor momento para ver cine en la sesión de la madrugada. Cuando al entrar en la sala la noche aún no es heladora y cuando al salir sabes bien que pocos andarán por las mismas calles que tú, dejándote la ahora sí fría acera sólo para vosotros dos, la película y tú.
Si además vienes de ver una película de David Cronenberg la urbana soledad deja de ser tu amiga para convertirse en el enemigo más hiriente que jamás tuviste. La sensación que dejan sus películas es la de encontrarse indefenso ante la impactante realidad. Y Promesas del Este no es una excepción. Es cine del grande, con un ritmo narrativo que no decae en ningún momento y que se mantiene en su intento por hacer cine del bueno, del contenido, del que nos va desgranando los horrores que nos cuenta en su debido momento. No hay que tener paciencia, sino confianza.
Cronenberg no concede tregua al espectador y nada más sentarse éste lo va a comprobar. Dos escenas nos hacen agarrarnos a la butaca para no soltarnos hasta que se enciendan las luces de la sala. Porque no hay quien se atreva a salir a oscuras. Una niña de 14 años llega a una tienda de comestibles en mitad de la noche, pide ayuda antes de mirar hacia el suelo y, al ver la sangre que corre por sus piernas, desmayarse. La niña está embarazada, muere pero antes deja en el mundo a una preciosa niña en brazos de la matrona (una correcta Naomi Watts). En otro lugar de la ciudad, un hombre bien vestido termina con el cuello cortado con una navaja. Vemos cómo deja de respirar, cómo le duele todo aquello, cómo se rinde sabiendo lo que le va a pasar. Estos dos hechos no tienen conexión aparente, poco a poco iremos viendo que sí.
La película nos transporta dentro de la ciudad de Londres, aquella en donde hay gentes de todo el mundo excepto ingleses. Quizás por eso sea tan dura y tan amable a la vez. De los muchos restaurantes que hay allí, Cronenberg nos lleva al del mafioso ruso Seymon, interpretado por un gran Armin Mueller-Stahl. Su interpretación de capo de la mafia rusa en Londres no deja de tener tópicos dentro del género, pero él sabe llevárselo a su terreno, convertirlo en el hombre que todos querríamos tener como jefe, consecuente con su puesto y sabedor de sus responsabilidades. El contrapunto a la sobriedad rusa clásica de Mueller-Stahl se presenta la figura de su hijo, interpretado por una de mis debilidades del cine europeo, el francés Vincent Cassel (lo único que se salva de infames películas como Ocean´s Twelve). Interpretando el papel de Kirill está más que correcto. El personaje es histriónico, inseguro y cretino. El hijo del jefe. Ya sabíamos que borda los papeles de loco violento (El Odio), pero la verdad es que aquí el papel le deja más registros. Junto a ellos dos, el recién llegado Nikolái, interpretado por Viggo Mortensen quien repite en una película de Cronenberg tras Una historia de violencia. Su personaje es el principal de la película a pesar de que el argumento nos haga señas para despistarnos y lleguemos a pensar que es un secundario. Es algo a lo que cualquier espectador puede concluir, si Viggo es la estrella de la película, es indudable que él tendrá el papel principal. Interpreta al chofer de la familia, el criminal recién llegado a Londres y dispuesto a hacerse una carrera dentro de la organización. Su personaje nos deja frases de las que se adentran en el occipital como “Yo sólo chofer, conduzco, izquierda, derecha, sigo recto…”. Pocas veces hace falta decir menos para saber más.
Sostenido por estas interpretaciones, Cronenberg termina por darle el toque necesario a la película. Con unos tonos fotográficos adecuados, cálidos o fríos según corresponda, la película enseña esa ciudad que es Londres como lo que es, una ciudad que es muchas al tiempo. Tan pronto estamos ante un escenario típicamente inglés, como que nos trasladamos al interior de una casa que bien pudiera estar en el centro de Moscú, o a un restaurante de la ciudad de Nueva York, o a una sala de fiestas turca. Cada elemento es tratado con la idoneidad necesaria, y eso se agradece. Junto a la puesta en escena, Cronenberg nos proporciona momentos de los que se quedarán en la retina de todos los que las vean. Los paseos en moto de Naomi Watts por Londres o los mejores lugares del Támesis para tirar cadáveres.
En cuanto a las referencias típicas de este género negro de mafias sin piedad, Promesas del Este da para repartir y tomar. La misma escena antes comentada del degollamiento del hombre bien vestido es ejemplo de la perfección de que hablamos. Pero no nos quedemos ahí. Aún podemos comentar escenas como la reunión de la cúpula rusa mafiosa en el restaurante, con un Viggo Mortensen que se luce. O, sin alejarnos del mismo actor, la escena que marcará definitivamente la película en las retinas del que se acerque a verla, una pelea en un peculiar escenario cuya violencia invita a cerrar los ojos, pero que no es gratuita en ningún momento.
Una gran película de mafias, de esas que gusta ver en la noche Otoñal, cuando las buenas personas ya se han ido a la cama, los crápulas aún están descansando de sus veranos y las calles de la gran ciudad se mantienen abiertas sólo para ti y tus miedos.
s del film, y como éste es un blog serio, diré que la actualidad de la película no puede ser mayor, habida cuenta de la manida "Ley de la memoria histórica". Ese proyecto polémico que trata de devolver la dignidad a todos cuantos fueron despojados de ésta a raíz del conflicto bélico de los años 1936-39 en España. En mi opinión, no se trata de abrir heridas, tal y como se ha apuntado desde ciertos sectores - quizás tengan miedo o vergüenza de las miserias del pasado -, sino más bien de devolver, quizás, o de hacer tributo a aquellos que fueron víctimas del conflicto fratricida. En cualquier caso, también es cierto que no se debería hacer bandera política de los muertos de nuestra vergonzosa guerra, ni tan siquiera articular gran parte del discurso y del debate político en torno a éste tema, como así está siendo en la última legislatura y tal vez, se me ocurre, como cortina de humo para no afrontar de manera seria los verdaderos problemas de este país. Memoria histórica, sí, por supuesto; pero en el sentido en el que George Santayana propugnaba, esto es, como el medio por el cual debemos evitar cometer los errores del pasado en el futuro.
